Il titolo dice tutto: “Maddie in piedi sulle cose“. Un progetto fotografico scattato interamente con Instagram (app per iPhone, che immagino tutti ormai conoscano) dal fotografo americano Theron Humphrey, nato come momento di relax, come “faccio un paio di foto divertenti al cane per condividerle con i miei amici”. Sì, perché, in realtà, il grande progetto in cui Theron s’era infilato, accompagnato dall’inseparabile Maddie, era un anno in viaggio per gli Stati Uniti, con furgone Maddie brandine e macchina fotografica, ogni giorno in una città diversa a conoscere una persona nuova e raccontarne la storia. Ce l’hanno fatta, finanziandosi con campagne di crowdfunding, vendendo magliette, dormendo sui divani degli ospiti. Il nome del progetto è esplicativo: This wild idea,  che possiamo tradurre con “Questa pazza idea”.

Quindi Theron ha fotografato Maddie che sta in piedi sulle cose, paziente, serena, nei momenti di svago e tranquillità. Ed ora tutti questi scatti fanno parte di un libro che uscirà a breve, intitolato “Maddie on things: a super serious project about dogs and physics” (ovvero, un progetto super serio su cani e fisica). Per non smentirsi, il lancio del libro sarà accompagnato da un tour itinerante che toccherà gran parte degli Stati Uniti, partendo da Austin, Texas, l’8 marzo: non perdetevelo se siete in zona! (qui le altre date e città: Maddie On Tour).

Maddie è stata adottata da Theron, dopo che qualcun’altro l’aveva abbandonata. Con “Why We Rescue“, durante il Maddie on Tour, racconteranno 50 storie di 50 cani adottati da nuovi, forse più amorevoli, padroni. Ben fatto, Maddie!

“Ho guardato nei suoi occhi e ci ho visto mia madre, mio padre e tutti quelli che mi hanno amata”. Comincia cosí il lavoro fotografico di Annie Marie Musselman intitolato “Finding Trust”, un progetto durato 6 anni, scattato al Sarvey Wildlife Rehabilitation Center, nello stato di Washington. La fotografa stessa, in un’intervista, dichiara di aver cominciato questo lavoro con l’idea di “documentare la delicata unione che esiste tra esseri umani ed animali”. Si è trovata a fotografare ma anche ad aiutare i pazienti della struttura: “quando una creatura sul tavolo operatorio guarda in macchina, vedo nei suoi occhi la reazione universale di paura e confusione. Ho sperimentato con loro una relazione che non può essere spiegata dalla scienza ma che deve essere accettata in quanto legame straordinario tra uomo ed animale”.

Questo racconto è su Angel, un corvo femmina di 2 anni, con la quale la fotografa ha instaurato un vero rapporto di amicizia, come mai ne aveva avuti prima. Ma per raccontare di Angel deve raccontare anche degli altri ospiti del centro di riabilitazione, e lo fa con una sensibilità, una forza e con una conoscenza non facili da trovare. Si nota il rispetto e l’amore che Annie ha sviluppato nei confronti di queste creature. E chiede di provare gli stessi sentimenti, ottenere che allo spettatore importi come importa a lei.

“Finding Trust” diventerà un libro quest’anno, pubblicato dalla casa editrice tedesca Kehrer Verlag. Sul sito di Annie si possono trovare altri due progetti importanti per gli animali: “Wolf Haven”, realizzato a Wolf Haven International che si preoccupa di dare rifugio a lupi nati in cattività e ad incroci; “For The Innocent”, in cui la fotografa racconta la difficile vita degli orangutan in Borneo.

Mi hanno molto colpita le parole che Annie usa per descrivere i suoi lavori. Sono serie e sincere. Soprattutto quelle rivolte ad Angel: “Mi ha insegnato cose che è difficile per me riuscire ad esprimere a parole. Angel era un’anima antica che mi ha mostrato la sua intelligenza, il suo amore, la sua fiducia e la sua perfetta innocenza. I suoi occhi, profondi e scuri e pieni di conoscenza, mi hanno parlato con saggezza, mi ha guarita e mi mancherà per sempre”.

So di essere lenta nella scelta del progetto di cui parlare. Vorrei che almeno alla lentezza si accompagnasse la meticolosità, ma non posso giurarlo. Questa volta so anche di essere arrivata alla fine di una ricerca fotografica durata un anno (il 3 agosto 2011 cominciai), una foto ogni mattina per 365 mattine. Un traguardo, per me che fatico a finire, così come cominciare. E una sfida, piccola e sincera, ogni mattina: più attenta del solito per cogliere piccolezze della quotidianità che sfuggono nella scontatezza di giorni spesso simili gli uni agli altri. Forse a me questo basta. C’è un uomo invece, un bravo fotografo, che non si accontenta mai, che da tredici anni, dal 1 gennaio 1999, si scatta (o si fa scattare da amici) un autoritratto. Se pensate ai montaggi su vimeo sponsorizzati ad ogni gennaio dello stesso viso con barba con baffi con schiuma da barba senza barba con occhiali su sfondi diversi non ci siamo. Jeff Harris ogni giorno scatta una foto di se stesso mentre fa qualcosa, qualcosa di interessante, che programma, che studia, che prepara, a volte solo e riflessivo, a volte nel bel mezzo di un evento mondano, a volte durante momenti difficili, a volte in giornate di sole, coperto o nudo o nascosto in ciò che lo circonda. Quante cose possono succedere in tredici anni? Non saprei rispondere, mi mancherebbero le idee e dimenticherei cose importanti. Ma grazie al lavoro di Harris ora possiamo averne un quadro chiaro. Bello. Commovente. Tenace. Fiducioso. Forte.

Sono giorni che penso a lei, ma me ne sono resa conto solo ieri. Lei è Natsumi Hayashi, una giovane fotografa giapponese che vive a Tokyo con due gatti e che fotografa se stessa in levitazione. E questi suoi affascinanti e surreali scatti sono raccolti nel suo diario online, intitolato “yowayowa”, che, come lei stessa chiarisce, è il termine giapponese per “debole”. In una sezione del suo blog spiega anche tecnicamente il suo lavoro: la macchina (Canon EOS 5d MarkII), gli obiettivi ( Canon EF50mm F1.2L USM, EF24-70mm F2.8L USM, PENTAX 67 con adattatore), le disposizioni di scatto (solitamente 1/500 sec.), l’impostazione del timer (10 secondi) per l’autoscatto, il fatto che a volte si porti un amico per premere il tasto di scatto quando le servono più di 10 secondi per posizionarsi.
È un diario, al momento un po’ in stallo, cominciato nel settembre 2010. Scorrendo le immagini si vede l’affinamento della tecnica di levitazione, perché non sono salti, ma l’artista “acquista una leggerezza tale da sollevarsi nell’aria rimanendovi sospesa”. La posizione del corpo è studiata nel minimo dettaglio, a completare l’ambiente che lo circonda, con l’accostamento cromatico e con il riempimento degli spazi.
Voglio essere come lei: leggera, libera, nuova, pensata, non convenzionale, sola, forte, sognatrice. Non è questo che insegna?

Mi sono regalata il libro fotografico di Phillip Toledano, “Days with my father”. Cerco ispirazione e conforto tra chi è arrivato prima, tra chi è riuscito a finire una storia, tra chi racconta di mura domestiche e lunghi silenzi.

Questo libro (cominciato come blog) è la storia di un padre che, dopo la morte della moglie, si trova solo e con la memoria malfunzionante, e di un figlio, che per tre anni se ne prende cura. Si vede tutto: quello che con le parole perde di significato perché troppo dentro ad ognuno di noi. Le fotografie di Phillip centrano il soggetto, senza renderlo cristallino. Il viso del padre compare molte volte, ma ogni volta racconta qualcosa di diverso, spesso chiarito dalle didascalie scritte dall’autore. Oggetti che gli appartengono, vecchie foto incorniciate, la sua poltrona preferita, frasi traballanti per ricordare organizzare ringraziare. E ci parlano di quello che è stato, di film degli anni ’30, di Parigi, delle difficoltà di stare vicino ad un genitore bisognoso e della meraviglia del saper amare cosi profondamente.

Se volessi guardare lontano, ai confini dell’orizzonte, probabilmente seguirei Ragnar Axelsson in uno dei suoi viaggi. In Islanda, in Alaska, in Groenlandia, in Canada. I paesaggi sono immensi, larghi, senza fine, bianchi e grigi, e lo sono anche i cieli. Racconta di questo ma racconta anche di come si vive in quei posti. Ci sono pastori che accompagnano le pecore in una transumanza estrema; ci sono donne dai visi con solchi profondi, lì dove la natura si è accanita; ci sono bufere di neve che costringono gli uomini e gli animali a ripiegarsi su se stessi; ci sono notti che non finiscono mai e giorni che non finiscono mai. Le immagini sono tutte in bianco e nero, ed ognuna racconta una storia a sé stante, una poesia. O meglio, un haiku. Scene intense che rappresentano le emozioni che lasciano nell’animo del poeta-fotografo.

“Immenso e fragile. Un racconto dal nord” è la mostra ancora in corso al Centro Culturale di Milano. Svela segreti provenienti dal freddo, ridimensiona le prospettive, fa venire voglia di partire, camminare nel bianco, ascoltare il silenzio di un mondo senza limiti.

“Ho sempre avuto lo stesso sguardo di oggi prima ancora di sapere qualsiasi cosa di fotografia”.

Si riconosce lo sguardo di Robert Mapplethorpe. Classico nella composizione, rigoroso nell’uso della luce, lo studio è il suo mondo, le ambientazioni sono quasi asettiche, spoglie. I soggetti (uomini, corpi, fiori, bambini, statue, peni, frutta) non sono originali, sono i più diversi, ma osservandoli si nota una somiglianza che nella realtà non esiste: che sia uno o l’altro poco importa. C’è interscambiabilità.

Sembra che Mapplethorpe studi le forme con un’attenzione maniacale, riduca la realtà, i corpi, gli oggetti a forme chiare e definite, dove il bianco e nero, con un forte contrasto, aiuta a sottolineare l’importanza del soggetto e delle sue caratteristiche. Tratta corpi di uomo, di donna, come i fiori, come i visi, come i peni, come le fragole e le rane, li riduce all’essenza e nel frattempo li nobilita: ciò che si osserva sono sculture che ricordano quelle di Donatello, che ricordano i marmi bianchi e lisci del Discobolo.

Ci sono anche diversi ritratti, esposti al Forma. Ce ne sono scattati con la Polaroid. Ce ne sono di canonici, con il viso centrale e ben illuminato e lo sfondo bianco o nero. Tra uno e l’altro mi sono stupita di trovare ritratti di tagli inaspettati, audaci inquadrature in cui da una forma ben conosciuta (la testa, la schiena) se ne ricava una nuova, mai vista, che mai mi sarei aspettata! E si badi bene che nemmeno in questi casi si perde l’equilibrio della composizione classica, l’illuminazione perfetta.

Così come se un uomo incasinato cercasse la chiarezza componendo immagini senza tempo. Ma non vi dico di averlo capito. Io, che so apprezzare la neve e le finestre e la luce sui muri, forse Mapplethorpe non lo capirò mai.

Siete stati a Modena, all’ex ospedale Sant’Agostino, per la mostra di Ansel Adams? L’hanno intitolata La Natura è il mio regno. A sottolineare l’importanza della natura, quella selvaggia, incontaminata, inviolata, che sempre ha interessato ed impegnato Adams. Che, con le sue fotografie dei grandi parchi americani (e canadasi), ha testimoniato ciò che si è perso ed ha combattuto per non perderlo. Disse “Credo che l’approccio dell’artista e quello dell’ambientalista siano molto vicini, poiché entrambi hanno a che fare, a un livello impressionante, con l’affermazione della vita”.

La mostra è gratuita ed è la prima, così grande, riservata al fotografo americano in Italia: vi sono esposte più di 70 foto, incontrerete soprattutto neve, cime, alberi e cascate. Lo spazio è ampio, poco affollato, non surriscaldato, ben illuminato. Ci sono immagini piccole, da guardare da vicino, in cui la neve sembra burro lasciato fuori dal frigorifero già da qualche minuto; altre grandi (poche) in cui le rocce striate dell’Arizona sembrano strati di gelato variegato; i grandi fiumi che curvano nel canyon sono liquidi e pastosi, immobili e veloci. Tutto ha una consistenza che si sente sulle dita, mentre si osserva. Tutto è in bianco e nero, a sottolineare un’omogeneità che trasmette tranquillità; a volte sembra togliere, a volte sembra dare qualcosa in più: magia, profondità, realtà, emozione. Dal primo centimetro di stampa, in basso, ad oltre l’orizzonte, le immagini di Adams sono definite, piene, esaustive, non celano nulla, tutto mostrano ad un osservatore stupefatto.

Possono sembrare paesaggi, registrazioni di scorci naturali. Sono molto più di questo: Adams stesso, con Monolith, the face of Half Dome, comincia la sua carriera di fotografo, crea la sua prima “visualizzazione”, intesa come il tentativo di esprimere lo stesso sentimento estetico ed emozionale che percepiva nel momento in cui ha scattato la foto.

Non riesco a godere del sole, dell’odore dei fichi maturi, della calda e silenziosa ora della siesta, delle rinfrescanti ombre che si proiettano sui muri bianchi e bitorzoluti. Non delle onde che si sdraiano a riva, non della sabbia tiepida che fa sentire parte di un tutto. Né dei segreti sussurrati; né degli amori giovani. Tutto quello che è Mediterraneo di Herbert List (esposto alla Galleria di Spazio Forma). Tutto quello che non vive nel mio cuore ora. Sarà colpa del freddo bagnato di un Novembre che passa lento, di una nebbia che con prepotenza stringe i pensieri. Quando è difficile immaginarsi il futuro, anche quello effimero ed immediato di un pomeriggio d’estate. Quello che odora di sale, pelle, sudore, sole.

Parliamo per l’ultima volta di estate, vi va? Banalmente parliamo di mare, di sole, di acqua trasparente e pesci colorati, di sabbia bianca e tiepida e di belle donne, anche. Banale è l’argomento, magari. Ma se lo trattiamo attraverso le foto di David Doubilet sembreranno cose mai viste e mai sentite.

Lo conoscete? Diciamo che è nato a New York nel 1946, che scatta da quando aveva 12 anni e che dal 1971 collabora con il National Geographic. Con loro ha pubblicato più di 60 storie, si legge nella bio del suo sito web. E’ un fotografo davvero importante nel campo della fotografia subacquea. Campo che purtroppo rimane molto slacciato dal resto delle fotografia: è raro vedere immagini subacquee su riviste non specializzate, su siti che in generale si occupano di fotografia. Chi la pratica e chi ne è appassionato, orbita in circoli specifici, ha propri concorsi e competizioni fotografiche. Mi viene da pensare che sia più che una passione, che diventi uno stile di vita, una filosofia.

Doubilet scatta immagini impressionanti, che lasciano a bocca aperta, che fanno respirare aria nuova ed immaginare mondi in cui l’uomo ha poco spazio. Le sue fotografie sono particolari per il genere a cui appartengono, un genere in cui, dal mio punto di vista, c’è ancora una forte (forse troppa) uniformità di stile. Doubilet invece ha sperimentato, e continua a farlo. Non mostra murene, anemoni, squali, mante, tartarughe marine e leoni marini, mostra il loro mondo, intero e diverso.