L’anno scorso da questa finestra avevo parlato di collezionismo e di mercato con l’inventore di MIA, Fabio Castelli. Quest’anno invece parlo di libri, perché MIA offre uno spazio importante per riflettere sull’editoria fotografica e nelle sue possibilità: la fiera di Milano diventa tappa per vedere in mostra i 50 dummy (cioè progetti di libri non ancora stampati) dell’International Photobook Dummy Award. Fa piacere che a Milano ci siano queste occasioni e fa ancora più piacere pensare che poi la mostra dei dummy arriverà a Le Bal di Parigi e poi a Kassel all’interno del sesto International Photobook Festival.
Ci basta poco per sentirci internazionali.

E a proposito di libri vi presento un autore che sarà al MIA domenica 12 maggio alle 17.00 per presentare il suo libro e firmare le copie. Quelle per chi arriva presto.
Saluti da Pineta Mare questo il titolo. L’ha realizzato un fotografo di nome Salvatore Santoro. Ancora fresco di stampa, non lo troverete in libreria, però è reperibile online. Come tutti i casi di editoria fotografica interessante, lo dovrete andare a cercare, facendo in fretta, prima che esaurisca e che non vi ritroviate a bramare una copia possibile solo per le tasche dei collezionisti. A me è successo con The Afronauts di Cristina De Middel e ancora non mi va giù.

Per quattro anni Salvatore Santoro anni ha documentato i luoghi della sua infanzia: 54 chilometri di costa domiziana in cui ha collezionato affetti e ricordi e di cui ha voluto ricostruire con la fotografia una memoria tra passato e presente.
Fin qui niente di nuovo. Infatti per spiegarvi questo oggetto libro ve lo mostro in questa veste digitale che non gli rende il giusto onore.

Quello che vorrei dare parlando di questo libro è il valore dell’oggetto e la sua capacità di comunicare nella sua forma completa, esattamente per mezzo di essa. Lo hanno capito Chiara Capodici e Fiorenza Pinna di 3/3, che da tempo lavorano su progetti di self publishing e che qui compaiono in veste di produttrici. Sanno che veicolare e promuovere un’opera vuol dire mettersi in relazione creativa con l’artista e dunque, partendo non dall’utilizzo della fotografia, ma dall’idea/progetto di creare una nuova opera completa, capace di parlare più lingue: fotografia certo, ma anche grafica e testo.

È tanto semplice quanto sembra impossibile nel processo dell’industria editoriale italiana. Magia del self publishing? E allora perché non si possono trasferire tutti i libri di fotografia nel fantastico mondo del self publishing ? Anticipo la risposta: il self publishing non è per tutti. Accoglie ed esalta il progetto libro, non tanto perché non trova spazio nella produzione delle case editrici, ma in quanto nasce già per essere proposta originale: mescolando linguaggi, processi artigianali di rilegatura e sperimentazione di carte meno convenzionali che fanno dell’insieme il suo essere contenuto. Non sempre omogeneo, sia chiaro. Non tutto il selfpublishing è bello e prezioso anche se vi invito a scoprire un esempio felice SPBH – Self Publish Be Happy – di cui presto o tardi tornerò a parlarvi.

Ma senza abbandonare Pineta Mare ecco l’incipit dell’autore, poetico quanto il libro che si guarda, si tocca e non si può non apprezzare.

«Questo progetto riguarda la mia casa, i luoghi della mia infanzia, riguarda quello che è successo in questi posti. Ho cercato di esplorare i cambiamenti negli ambienti dei miei ricordi d’infanzia facendoli scontrare con la realtà. La realtà della direzione presa dall’uomo che non va affatto in un futuro migliore che lascia ai figli più di quanto ha ricevuto dai padri»

Per chi si avventura al MIA: non fermatevi solo negli stand delle gallerie. Guardate i libri e se potete acquistateli. Una nuova fotografia sta nascendo tra le pagine dei volumi, ricca di sperimentazioni e di curiose storie da guardare, leggere e toccare.

(pubblico solo questa dell’Espresso perché mi sembra abbiano un po’esagerato).

Un tempo i fotografi si temevano perché al loro obiettivo non sfuggiva nulla. I politici facevano fatica a “usarli” e ammaestrarli. Erano presenze abituali di ogni congresso o convegno: appostati fuori dai ristoranti o di fronte a Montecitorio, non c’era evento che non offrisse occasione per una buona fotografia.

E la buona fotografia era quella che trovavi sulle pagine del settimanale di attualità, ti fermavi a guardare, ti faceva sorridere, ti raccontava un aspetto di un personaggio, un suo tic. Nei casi eccellenti ti testimoniava un fatto o una relazione: ricordate la foto di Previti sul Barbarossa con quella che sarebbe diventata il teste Omega, Stefania Ariosto?
Quante volte di fronte a un fatto letto abbiamo dubitato, ma poi ci siamo ritrovati ad affermare: «è vero, l’ho visto in foto!».
Dunque la fotografia è documento e nella documentary-political-photography (l’ho coniato adesso) tante buone fotografie, singolarmente o messe insieme, ti raccontavano un mondo.
I vizi della vecchia Democrazia Cristiana li potevi trovare ogni settimana sull’Espresso. In quelle immagini c’era tutto il DNA della nostra classe politica, il generone, per usare un termine dell’epoca.

Quella fotografia irriverente e graffiante, ha contribuito non poco alle ascese/discese dei potenti: Craxi sotto il lancio delle monete davanti all’hotel Raphael o mentre fa le corna, sfacciatamente offerte ai fotografi. E poi Martelli, Forlani, Andreotti, tante fotografie che hanno indagato, a volte iconizzato, la Prima Repubblica. Ricordate Mario Chiesa, il Flinstone di tutti i corrotti? Ormai la sua immagine, quel singolo fotogramma, ha assunto e assumerà un valore prettamente simbolico legato all’idea di corruzione. Per quanto tempo abbiamo visto l’immagine di Antonio Di Pietro che toglie la toga dopo l’ultima udienza come pubblico ministero prima di scendere o salire in politica?
Quelle immagini sono la nostra memoria, il fotoracconto che ha accompagnato la scoperta e la comprensione della realtà.

Silvio Berlusconi scendendo in politica istituì un vero e proprio ufficio fotografico in cui la ormai mitica Mitì Simonetto si esercitava nel photoediting, raccogliendo le immagini da cestinare e quelle da diffondere per l’elogio del leader. Silvio deve aver imparato da Bettino: fu Craxi infatti il primo politico ad aver assunto il fotografo personale, Umberto Cicconi, intuendo il potere del controllo dell’immagine. Berlusconi è nato politicamente in concomitanza con il web e la pulsazione tachicardica delle immagini a getto continuo. Non è certo colpa sua se oggi la fotografia ha meno potere nel racconto dell’attualità politica.

Immaginate oggi un’addetta stampa che cerca nelle immagini della giornata quelle da cestinare ? Quale controllo avrebbe? Oggi Grillo chiede una foto decente e si mette di fronte alla calca dei reporter per essere ripreso, come vuole e quando vuole. Perché, se non vuole, lo abbiamo visto, si copre con un cappuccio e gli occhiali a specchio, sottolineando, con quel gesto assurdo e infantile, quanto l’immagine abbia peso e come possa essere pericolosa e dunque debba essere controllata.

L’Espresso, unico giornale che per tradizione dovrebbe e potrebbe fare un utilizzo politicamente irriverente delle immagini – con la sua straordinaria storia fotografica ha costruito parte del suo successo – oggi utilizza faziosamente l’abominio di Photoshop, quello in cui la pericolosità del personaggio avversario non è data dal carattere delineato attraverso snapshots ricche di dettagli, capaci di cogliere vizi e costumi, ma quanto dal ritratto esagerato e manipolato fino a essere mostruosamente artificiale, lontano e inutilmente aggressivo. Teatrale. Osceno.
I fotografi dal canto loro non fanno di meglio. Ci sono quelli che cercano l’assunzione presso i leaders di turno seguendo il capo ovunque e quelli che si sentono pittori fiamminghi, aiutati dal buon pennello digitale, che producono ritratti confortanti.
Entrambi riverenti.

Che nostalgia delle fotografie di Vezio Sabatini. Il nome non vi dirà molto, ma qua e là in rete qualcosa si trova. Uno indipendente che cercava i personaggi, le situazioni e poi la foto.
Ma i fotografi qualche attenuante ce l’hanno: scavalcati a destra e sinistra dai video dei cittadini arrabbiati della piazza – basta guardare quelli postati in questi giorni di Fassina e Franceschini insultati da un dissenso sguaiato – e dalle immagini dei supersmartphone nelle mani dei reporters per caso.

E così, in questi giorni di bulimica attesa di decisioni sbagliate e nello spettacolo dell’errore/orrore, mi fa uno strano effetto ripensare alla fotografia della prima vecchia Repubblica e riguardandola oggi mi sembra preziosa e immortale, capace di conservare un velo di autenticità. Ovviamente sappiamo che non è così.
Non so di chi sia la colpa: dei fotografi, dei photoeditor, dei politici, del web, di photoshop, o di tutti questi elementi messi insieme. Di chiunque sia, confesso che sento la mancanza del “racconto” fotografico e temo che tutto questo tanto, troppo veloce vedere frammenti, renda tale un giorno anche la nostra memoria. Frammentata appunto.

S’intitola Le cinque vite di Lisetta Carmi è un libro-intervista: un viaggio nella vita di questa donna straordinaria che oggi, a 89 anni, riesce a tenere incollata una platea di fotografi e appassionati, ad ascoltare i suoi aneddoti di vita e di immagini, precisi e puntali, quasi maniacali. Succedeva un paio di settimane fa, alla presentazione del volume a Forma.

Ascoltando le sue vite – a me sembrano molte più di cinque – viaggiamo nel mondo e nel tempo. Lisetta racconta le sue fotografie, le trasforma in incontri, piccoli romanzi d’avventura, ci fa godere della creazione, dell’attimo in cui lei era lì, dell’istante decisivo dell’incontro restituendoci quel tempo passato che, attraverso il documento fotografico, non sarà mai più perduto.
La fotografia di Lisetta vive nella relazione con i soggetti delle sue fotografie; lo dice, lo spiega bene in questa preziosa conversazione tra due donne che hanno fatto della fotografia passione di vita.
Alla domanda su quale sia il momento poetico del fare fotografia, Lisetta Carmi risponde con candore: «La ripresa, perché il divino che è in te entra in sintonia con il divino che c’è fuori, con il TUTTO che ci circonda».

Questo piccolo libro attraversa le cinque vite: la musica, la fotografia, la spiritualità, per sintesi definirò la quarta vita, il suono e infine la libertà.
Non posso qui raccontare rubando il piacere della lettura e della scoperta di questo personaggio unico che è Lisetta Carmi. E neppure analizzare il suo lavoro fotografico più famoso: I Travestiti del 1970. Non voglio togliere il piacere delle sorprese e delle connessioni tra le vite, in un circolo esistenziale dove tutto inesorabilmente e magicamente ricomincia. E magia è un sostantivo che ricorre nella vita di Lisetta in cui la fotografia è una parte che avvolge l’avventura umana della vita, la sua e la nostra che in queste pagine scorriamo lungo un secolo: guardando, leggendo, sorridendo e invidiando questa potente leggerezza che consente le trasformazioni, quelle vere che ci fanno abitare ogni mondo mentre cerchiamo noi stessi.

Ecco, questo è solo l’inizio per conoscere Lisetta Carmi e queste poche immagini un’introduzione. Per conoscerla bisogna leggere il libro e se vi capita l’occasione, dovete assolutamente andare ad ascoltarla.

Aggiornamento: Lisetta parlerà sabato 20 Aprile al Campus Universitario di Bari, presso l’Aula Magna Attilio Alto, in via Orabina 4 alle 10,30.

Ci sono molte buone ragioni per andarla a vedere. Una di queste è che non troverete questo lavoro sui giornali, quotidiani o periodici che affollano le nostre edicole sempre meno frequentate; il lavoro di cui parlo lo potete vedere grazie al riconoscimento che gli ha attribuito il Grin, l’organizzazione che raggruppa i photoeditors che lavorano in ambito editoriale e che ogni anno premia il miglior progetto fotografico.
La motivazione del riconoscimento recita così: «Corpi di reato è un tentativo di dare visibilità ai fenomeni mafiosi attraverso la fotografia: un’indagine sul territorio volta a mostrare i segni e le ferite dell’azione criminale in Italia, un viaggio che percorre il Paese nella costante ricerca di elementi, storie e frammenti».

Ma cos’è Corpi di reato? È un progetto a lungo termine di due autori tanto diversi tra loro da poter stare assieme. È una raccolta di immagini di luoghi, oggetti, reperti, documenti, romantica e artistica ricostruzione affidata alla fotografia, che racconta una piccola parte della complessa storia delle mafie attraverso ciò che le stesse hanno generato: discariche abusive, covi di latitanze pluridecennali, luoghi di ritrovo per riunioni segrete, reperti di attentati, fascicoli processuali.
È un lavoro indiziario, se mi si consente l’uso del termine, in cui questa fotografia, equilibrata e cauta, riproduce quello che trova attraverso un lavoro di studio, di ricostruzione storica, di indagine.

Mi piace pensare ancora alla fotografia come strumento d’indagine. E mi piace ancora di più pensarlo di fronte a questo lavoro così netto, pulito, discreto, coerente in cui i due autori non scivolano nella necessità di stupire e di piacere.
Rigorosi e attenti, consapevoli di quello che hanno tra le mani, maneggiano memorie dolorose con matura cautela, potrebbero inciampare nel giudizio ovvio e utilizzare il colore delle loro immagini per drammatizzare o smorzare e potrebbero, con facili tecnicismi, manipolare la luce e scrivere una storia tragica. Non lo fanno, non ci cascano.

E io sono contenta e sollevata di parlare oggi di questo progetto invece di scrivere e arricchire il dibattito sul fotogiornalismo corrotto che svalorizza la fotografia documentaria attraverso le esasperate manipolazioni, digitali e non. Meglio parlare della fotografia che è ricerca di fonti e paziente catalogazione, capace di rendere visibile l’invisibile.
Oggetti e luoghi che potrebbero essere consegnati al silenzio per sempre, trovano voce e una ragione di nuova esistenza. Le immagini concatenandosi compongono una storia, quella che Bonaventura e Imbriaco hanno costruito con molti viaggi da nord a sud e viceversa, senza mai avere fretta ma cercando, con le associazioni sul territorio, con i parenti delle vittime, negli archivi delle istituzioni, tutti quei dettagli che messi insieme ci propongono nuove domande, suscitano i dubbi e interrogano la memoria su vecchie storie dimenticate.
Titillando quella coscienza civile che sopravvive a questo tempo difficile, la fotografia svolge qui la sua silenziosa missione d’impegno intellettuale.

Bonaventura e Imbriaco sono consapevoli delle loro responsabilità. Studiano e verificano, esploratori di territori impervi, montano e smontano, tenendo una distanza riflessiva da ogni cosa: case, oggetti, luoghi. Come è giusto che sia, come ci si dovrebbe porre di fronte a ogni lavoro fotografico e non solo.
Anche noi siamo invitati ad osservare scegliendo la distanza migliore per godere del racconto: grandi stampe affiancano dettagli di formato minore in una narrazione mai scandita in modo casuale ma forte di un equilibrio maturo che ci accompagna nel percorso dolente della storia delle mafie che poi non è altro che la nostra storia.

E la sostanza è quella che leggiamo nel motto che anima questa organizzazione: «noi esistiamo per ispirare la comprensione del mondo attraverso il fotogiornalismo di qualità». Bene, secondo questa premessa, rivolgo una preghiera affinché la distribuzione dei premi contempli il tener conto della vastità del mondo e uno sguardo più lontano e profondo sulle sue problematiche. La preghiera è rivolta ai giurati, ai colleghi che in questa e in altre competizioni sono chiamati a dire la loro ma in fondo la preghiera è rivolta ai fotogiornalisti affinché vadano, cerchino, scoprano e testimonino il mondo nella sua problematicità e soprattutto nella sua diversità.

Colonizzatori di tragedie, un esercito d’occupazione del dolore, sono i fotogiornalisti improvvisati, ingenui, spesso sprovveduti che cercano nella foto sensazionale il riscatto a una carriera modesta o incerta. Non vale per tutti ovviamente e non è rivolto a nessuno in particolare ma certo, da quando questo mondo globale del dolore e delle guerre è a portata di volo low cost, è diventato un teatro accessibile per qualsiasi desiderio di veloce fama, a scapito di una ricerca consapevole, originale e rispettosa.

Torniamo a questa edizione 2013 del WPP. Un difetto, se vogliamo chiamarlo tale, è la massiccia presenza di premi nelle categorie news dedicati allo stesso conflitto. Una specie di overdose che rischia di annullare il potere stesso delle immagini e di indebolire la forza dell’unicità. La foto dell’anno è andata all’immagine dello svedese Paul Hansen: rappresenta i corpi di due fratellini uccisi a Gaza da un missile israeliano. I corpi senza vita sono avvolti nelle lenzuola ma con i volti scoperti, vengono portati in braccio dagli uomini verso la moschea dove verranno celebrati i funerali. L’immagine muove verso di noi che la guardiamo. Una frazione di secondo, sono già passati, ed è un’altra fotografia che però non vedremo perché questa foto dell’anno appartiene alla categoria delle singles.

È un’immagine semplice che non chiede lettura, urla e piange. Come forse non dovrebbero più fare le fotografie oggi perché pronti per altre letture, per suggestioni complesse, capaci come siamo di stare a guardare, di cercare e trovare ognuno la sua domanda, a cui una sola fotografia non può e non deve dare risposte.

Meno iconica – perché meno statica – di quella della scorsa edizione (con la madre yemenita che tiene tra le braccia il figlio ferito) ma più aggressiva. Gli uomini che a passo svelto escono dalla fotografia ci guardano negli occhi, i loro colmi di rabbia e dolore, i nostri pronti ad andare velocemente allo scatto successivo. Perché c’è già tutto, forse troppo. Luci e colori nelle fotografie dell’attualità, sono ormai da tempo perfetti, teatrali appunto. Quello che si perde è proprio il silenzio e lo spazio del sentire per lasciare che il dolore scivoli dentro di noi, suscitando pietà e interrogativi.

Non amo le foto singole, mi sembrano frammenti di un discorso che, nel caso del fotogiornalismo, non ha forza di narrare e/o testimoniare la realtà che ha di fronte.
La singola immagine trova facile rifugio nell’iconografia più semplice, spesso scontata e ripetitiva. No, le immagini singole, allineate a competere non esprimono al meglio la potenza poetica e narrativa della fotografia che documenta. Come parole estrapolate dalla frase, senza verbo o senza soggetto. Forse anche questa categoria un giorno verrà sostituita. Ogni contesto ha il suo tempo di maturazione e di evoluzione.

Il conflitto arabo israeliano e la Siria occupano, ripetendosi, i premi della categoria Spot News: sei riconoscimenti distribuiti tra Siria e Gaza. In General News va un pochino meglio: tre su sei però tutti alla guerra in Siria. Succede ogni anno, è successo anche nelle passate edizioni ovviamente, però criticare fa bene alla salute del premio stesso e al suo evolversi. Non è un caso che quest’anno sono leggermente cambiate le categorie: gli organizzatori hanno inserito la doppia categoria di ritratti – staged e observed – e hanno eliminato la ripetitiva categoria People in the news.

Per non concentrarmi sull’abuso di Photoshop e su quanto ancora sia diffusa questa necessità di stupida manipolazione volta a potenziare la forza shock dell’immagine, mi sono concentrata sulle altre categorie e sulle storie che mi hanno fatto conoscere cose che non avevo visto, storie che non avevo sentito. Vi invito a farlo, a guardare a questa e ad altre competizioni con la curiosità di conoscere storie, di imparare un po’ di mondo, le vite degli altri scandite per dodici immagini che però, seguendo il filo delle rete vi porteranno a conoscere fotografi interessanti, ad ampliare la visione del loro lavoro e magari a vedere di ogni microstoria, il lungo racconto durato magari degli anni.
Ecco dunque il potere straordianariamente divulgativo del World Press Photo: farci conoscere gli autori e la complessità dei loro lavori.

Ho scelto dei lavori che mi hanno in modi differenti suscitato interesse, ce ne sono degli altri ovviamente. Sono andata a cercare i fotografi che li avevano realizzati.

Ebrahim Noroozi, iraniano che in una serie di ritratti seriali racconta la storia di una celebrazione, una storia:

Paolo Pellegrin con l’intenso reportage in bianco e nero su un sobborgo povero e disperatamente criminale di Rochester.

Conoscere il mondo attraverso le storie fotografiche, ecco il lavoro struggente, delicato, perfetto perché imperfetto di Maika Elan sulla condizione dei giovani omosessuali in Vietnam.

Ho apprezzato il classico bianco e nero di Jan Grarup e la capacità di raccontarci una microstoria nella macro infelicità della Somalia senza pace.

Ho notato, forse è solo una mia impressione, che le agenzie sono sparite dall’abbinamento ai vincitori. Negli anni passati l’appartenenza alle agenzie indipendenti o alle agenzie stampa aveva caratterizzato la competizione e fatto discutere sul ruolo e sulle differenze dei mezzi e della mission. Chiacchiere di ieri che sembrano preistoria.
Oggi compare piccolino sulla schermata delle immagini: Commissioner, a volte indica l’agenzia, altre il giornale che ha dato l’incarico, altre entrambi.
Anche questo è un passo del World Press Photo verso il riconoscimento di una direzione tanto chiara nella fotografia di ricerca concettuale, votata al mercato del collezionismo d’arte, tanto fragile nella considerazione dei fotogiornalisti come autori, singoli artefici con progetti individuali, capaci di indagare la complessità del mondo con un proprio linguaggio, soggetto solo alla poetica.

Negli ultimi cinque anni mi sono dedicata al suo viaggio caucasico imparando e conoscendo, attraverso la sua fotografia, luoghi lontanissimi per cultura, problematiche e tradizioni. Di questo lungo lavoro quello che oggi, dopo tanti premi vinti, molte pubblicazioni, mostre e un libro, quello che ancora mi emoziona sono i paesaggi e i volti, due strumenti che suonano in accordo la stessa litania dolente.

Confesso però che, quando devo scegliere delle immagini per mostrarlo o spiegarlo, ancora oggi ho sempre voglia di pescare tra tutte quelle facce e quelle storie che non sono entrate nel libro o nella mostra. Tra quello che chiamo anonimamente “extra”, per me un tesoro nascosto che mi rivela sempre qualcosa di nuovo.

Le immagini che presento in questa pagina sono tutte contenute nel libro e, giuro, sono frutto di un lunghissimo lavoro di editing; avendolo fatto, devo pensare che sono davvero le migliori. Gli uomini e le donne, i paesaggi e le case che non sono stati inseriti nel libro e nella mostra, per ora possono continuare a dormire sonni tranquilli, impressi nella pellicola, al sicuro sdraiati sopra al foglio dei provini.

Per il libro, vincitore dello European Publishers Award 2011, scrissi una postfazione di cui pubblico un estratto ora che la mostra “Cardo Rosso” arriva a Milano da Micamera – via Medardo Rosso 19 – da martedì 15 gennaio. Nella stessa serata inaugurale verrà presentato anche il documentario che Sky ha dedicato a Davide Monteleone, “Anima russa”: un modo per approfondire la conoscenza dell’autore che oggi, più di chiunque altro, indaga la complessa vastità dell’ex-Impero Sovietico.

Dalla postfazione a Cardo Rosso – Peliti Associati Editore – 2012

“In una geografia tanto vasta quanto frastagliata, la morfologia scompare attraverso i frammenti della fotografia iscritta nella perfezione del medio formato quadrato: obbliga alla visione dell’autore, senza possibilità di fuga. È decisa la volontà del racconto, per nulla affidata al caso, inconfondibile per coerenza e continuità. Non a caso il lavoro è impresso prevalentemente sulla pellicola: il momento della ripresa si separa da quello della scelta, dilatando la necessità narrativa e liberandosi dall’urgenza per abbandonarsi al tempo del viaggio. Monteleone è meticoloso, attento ai dettagli e agli interni, apre la visione al paesaggio affidando alla luce naturale il compito di definire le digressioni cromatiche e l’alternarsi delle stagioni. Ospite invisibile dentro le case, descrive un mondo intimo e lo alterna alla visione del paesaggio ferito e desolato in un equilibrato dialogo tra l’individuo e il suo ambiente.

Il fotografo sa che non basta percorrere chilometri, occorre un centro da cui muoversi per esplorare: si trasferisce a Grozny e per tre anni, oltre alla Cecenia, viaggia in Ossezia del Sud e del Nord, Abcazia, Ingushezia, Daghestan, Cabardino Balcaria, Karačaj-Circassia. Abita i luoghi che racconta, interessato alle persone, impara a comprendere le parole e i comportamenti.

In ogni singola immagine di questo volume c’è una storia complessa, in cui il fotografo assume il difficile ruolo di testimone di eventi e custode di memorie, intrecciando le vicende del Caucaso a storie di uomini e donne.”

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“Come ogni storia, anche quella del Caucaso è piena di enigmi, di domande senza risposta. Per questo, forte del suo dubitare, Monteleone si lascia andare di tanto in tanto a immagini surreali, capaci di conservare piccoli misteri e, rompendo l’equilibrio consapevole con cui ha costruito l’opera, restituisce alla fotografia il suo magico potere, non di affermare, ma di suggerire sempre nuovi interrogativi.”

The Cal, come viene familiarmente chiamato, è un’icona, un simbolo, un manifesto potremmo definirlo. Lo è da quarantotto anni, tranne una pausa negli anni’70 per crisi economica (rischiamo di bissare). Osteggiato dalle femministe di più generazioni, non si compra, si ottiene e dunque, si possiede di diritto, dunque rappresenta a suo modo, uno status.
Segna la carriera di una modella: dopo The Cal è per forza una top. Dodici mesi per dodici corpi di donne bellissime, la fotografia al servizio del manifesto. Anche i fotografi sono top, per forza, proprio come le modelle: Peter Lindbergh, Mario Testino, Annie Leibovitz e poi veri maestri come Richard Avedon o Sarah Moon, tanti si sono avvicendati nel corso del tempo a decretarne il successo e soprattutto, a trarne successo. Un successo che, se la vogliamo dire tutta, è nel marketing più che nella sostanza.

Oggi ne parlo perché l’edizione 2013 è stata affidata a Steve Mc Curry. Americano, vincitore del Robert Capa Gold Medal e di vari World Press Photo, ha ricevuto anche un discusso Ambrogino d’oro da Letizia Moratti. Steve Mc Curry è quello che ha documentato l’invasione russa in Afghanistan, varie guerre e molta India; quello della ragazza dagli occhi verdi e lo sguardo penetrante, profuga afghana, immortalata da una cover del National Geographic nel 1985 e poi ritrovata 17 anni dopo. Membro della Magnum da più di vent’anni è lui, quest’anno, il prescelto per fotografare le ragazze di The Cal. Curioso.

Un signore che, lungo il corso della sua carriera, ha rischiato la vita, è stato in galera, si è spinto sempre a Est e ha colorato ogni conflitto e ogni contraddizione dell’Oriente. Decisamente un fanatico del colore che, a furia di cercarne l’intensità ha fatto delle esplorazioni fotografiche meno profonde e più compiacenti. Perché proprio lui? Perché la sua fotografia, così distante dall’immaginario Pirelli e così connessa a quello del National Geographic? Domande a cui non so rispondere. Perciò me lo sono andata a guardare (qui qualche immagine ma soprattutto il video) e questo post è perché lo facciate anche voi.

Guardatevi il video con attenzione, come fosse un piccolo film, ascoltate il buon Steve e alla fine forse vi capiterà, come è successo a me, di riflettere sulla bellezza, sul suo significato, su come un autore può stravolgerne il concetto e come lo stereotipo stesso della bellezza femminile può essere piegato e umanizzato. Guardandolo, si può capire come la fotografia, nonostante la committenza, di fronte allo stesso soggetto, può restituire l’identità, lo spessore delle individualità e cercare la bellezza nella realtà. Abbandonando i cliché anzi, stravolgendoli. Facendo posare un’attrice non più giovane come Sonia Braga, utilizzando la luce naturale, sporcando i background con le strade di Rio, fondamentalmente attingendo senza paura alla realtà e mescolando top model e non, per ottenere qualcosa che non so dire bello o brutto, ma posso giudicare operazione coraggiosa che rende The Cal una volta tanto interessante, meno plastico, meno distante, in fondo meno noioso. Steve lo sa, ne sono sicura. Sa di aver mescolato le carte nel mazzo e aver fatto un nuovo gioco. In barba alle regole o proprio contro di esse.

Forse ci siamo stancati di costatare quanto la fotografia si stia avvicinando al mondo dell’arte(ma non è essa stessa arte semplicemente nella misura in cui interpreta il mondo?),di gridare al miracolo a ogni battuta d’asta con cifre a sei zeri che inseguono le quotazioni della grande pittura, o forse siamo solo stanchi e la famigerata crisi ci ha imposto un nuovo understatement.

Da sempre m’infastidisce la rincorsa, la comparazione e l’inevitabile frustrazione che subisce la fotografia con il mercato dell’arte contemporanea. Mi annoiano le stampe fotografiche di formati spropositati, giusti solo per essere messi sui muri di grandi saloni, di ricche case, a completare l’arredo. 
Colori manipolati, estrapolati, esagerati. Ombre inconfondibilmente imprecise.

Invece vecchio/vintage è bello, è colto, è sobrio, è originale soprattutto.
Forse nell’epoca del dubbio e del falso aumenta il bisogno di originalità, mi sono detta.
Ed eccomi a girare per la fiera che, con i suoi 150 espositori e più di mille artisti rappresentati, offre comunque il meglio della fotografia. Non scopro l’acqua calda dicendo che il vintage “tira” e temo di non essere originale nel godere di piccole stampe di André Kertész o nel trovarmi di fronte ad un ritratto di Marcello Mastroianni di Tazio Secchiaroli. Nella gallery che vedete c’è una mia ampia e personale selezione, vintage ovviamente.

Torniamo tra gli espositori. Sono gallerie provenienti da tutto il mondo, registro una grande presenza americana dei ’70, a conferma della vitalità del vintage, grande piacere per gli occhi. 
Una serie di conferenze interessanti sono state animate da Hilla Becker, David Linch, Rem Koolhaas, Martin Parr e bla bla, non vi posso riferire perché non ho avuto tempo di seguirle ma voglio pensare che siano state interessanti e positivamente contaminate dai diversi linguaggi degli artisti presenti. Voglio anche sperare che la manifestazione metta online qualcosa di tutte queste dotte chiacchiere.

Il photo book award, organizzato da Paris Photo con Aperture ha premiato Anders Petersen con i suoi magnifici quaderni Diary (Ed.Steidl) e Concresco dell’olandese David Galjaard, un intenso esempio di self publishing. Premi entrambi meritati nel modesto panorama degli editori. Per vedere libri davvero belli, a mio avviso, bisogna spendere una giornata all’Offprint, la manifestazione parallela che ospita piccole case editrici e molti, moltissimi indipendenti. Un vortice di creatività e di sperimentazioni dove, mano a mano che sfogli e tocchi i libri, acquisti una sensibilità tattile in cui le figure si confondono e sono meno importanti perché ti lasci andare ad una successione di viaggi dentro e fuori dal mondo. Molti, di questi viaggi, non li ho davvero capiti ma questa è un’altra storia.

Si respira un bel clima da Offprint. Poco denaro ma parecchia vitalità.
Parigi è un fermento di fotografia/e. Appena esci dal Gran Palais la trovi nelle vie del centro, nelle centinaia di gallerie che fanno coincidere il Mois de la Photo con questa fiera, o viceversa. Mercanti e acquirenti s’incontrano per scambiare, vendere o rivendere. Tutti sono presi dalla febbre del collezionista. Per esempio, un mio amico, piccolo ma sensibile collezionista, ha comprato sei stampe originali di Helmut Newton al mercatino della Galerie Vivienne. Non è ancora sicuro di aver fatto un affare: sono vintage originali pare, dunque ha fatto un buon investimento, ma non sono firmati e non hanno “l’autentica”, quindi potrebbe aver preso una bufala. 
Però è contento lo stesso. Il venditore gli ha regalato in omaggio una stampa – ovviamente vintage – di Bettina Rheims. Il tutto per un costo inferiore a quello di un’automobile. Quale automobile, direte voi? Ma quante ne volete sapere…

PS: Per chi non è andato a Parigi ma non vuole assolutamente perdere questa grande fiera, basta fare un salto agli Studi della Paramount a Los Angeles (sì, proprio quelli dei film), alla fine di aprile 2013. Per la prima volta, Paris Photo estende le sue propaggini in cerca di un nuovo pubblico e soprattutto di un nuovo mercato.

C’è una fotografa italiana, strano caso nel mondo della fotografia, che da artista si fa fotogiornalista. Una migrazione in senso opposto, in barba alle sirene del collezionismo e dell’esibizione museale. Dopo autoritratti e nature morte, si è avventurata nel grande mondo reale. Non quello intimo che sussurra disagi e solitudini, ma quello delle guerre senza fine, quello delle vittime senza voce. Quello dove, quando arrivi dall’Italia con la macchina fotografica e le lingue imparate a Londra o a Parigi, non sei nessuno, sei incomprensibile e, soprattutto, non sei uno di loro. Si chiama Simona Ghizzoni, da Reggio Emilia.

C’è una giornalista d’inchiesta coraggiosa e caparbia. Una che ha scelto di stare fuori nel mondo e cercare sul campo le storie da raccontare. Quando la storia è troppo lunga e intensa per consumarsi nelle pagine di un giornale la trasforma in libro; quando c’è tanto da vedere e le parole sono solo la metà della storia, impara a girare documentari. Si chiama Emanuela Zuccalà, siciliana vera.

Come si combinano le tre ?

La prima indice uno special grant per la questione Saharawi.
La seconda decide di partecipare.
Sa che non basteranno le immagini. Bisogna approfondire per capire questa storia, costruirci intorno un progetto per andare davvero a fondo. O almeno provarci.

La terza è già stata nei territori Saharawi, deve solo rinfrescare la memoria e costruire un percorso d’inchiesta. Si mette a leggere e studiare. Butta giù la traccia.

Nasce il progetto
Vincono. Il premio finanzia un’indagine fotografica ma loro hanno vinto insieme e dunque partono. Tornano con la storia anzi, con molte storie. Molte donne si sono raccontate. I loro volti e i loro diari compongono un affresco nuovo che affonda nell’intimo e regala quella preziosa miscela che fonde l’inchiesta con le testimonianze dei singoli. Come ho già scritto in un post precedente, ogni storia appartiene al suo protagonista e nessuno è più anonimo. Registrano voci, prendono appunti, girano video. Nomi e circostanze diventano contenuto essenziale della storia.

Le fotografie che vedete sono solo un piccolo diario di questi viaggi.

Alla fine c’è tanto. Molto per l’Aftermath Project per cui erano partite e troppo per accontentarsi di pubblicare sui giornali con cui collaborano – dove però, una volta tanto, testo e foto dialogano coerentemente completandosi – c’è da dire e da far vedere di più. Montano tutto quello che hanno girato.

Il progetto è ora un documentario che cerca sostegno per essere completato e diffuso.

Per chi vuole saperne davvero di più.

Giorgio Di Noto non c’era, probabilmente, non ambiva neppure ad esserci negli inferni tunisini, libici o egiziani. Ha fatto un’operazione concettuale: fermando il flusso delle immagini di consumo del web e riproducendo la scena sullo schermo l’ha bloccata, fissata in un tempo senza storia e senza informazione giornalistica, per restituirla alla storia stessa rielaborata come documento visivo. Non è il primo e non sarà – mi auguro – l’ultimo. La realtà e le sue problematiche si possono interpretare con linguaggi differenti, solo per citare i primi che mi vengono in mente: The day nobody died di Adam Broomberg & Oliver Chanarin del 2008 oppure il lavoro in Congo di Richard Mosse e soprattutto quello pluricelebrato di Michael Wolfe da Street View.

Giorgio Di Noto, classe 1990, tuttora studente di filosofia, opta per una scelta personale: il suo The Arab Revolt, non parla di fatti, luoghi e persone. Non ci sono didascalie a segnalare eventi e circostanze. Fotogrammi numerati in sequenza da 1 a 30 senza testo, senza data. Compone un corpo leggero di trenta immagini, filtrato e dunque interpretato secondo la sua percezione visiva/emotiva e delle rivolte arabe offre una personale rilettura. L’intento è manifesto. Il risultato estetico anche affascinante ma non è questo il punto. Sono visioni-impressioni. Iconografia delle rivolte, sciolta in una cromia passata che amalgama e confonde e la confusione, in questo caso, pone domande. Questo lavoro, in mostra dal 15 ottobre nell’ambito della manifestazione romana Fotoleggendo presso la s.t. foto libreria galleria, vale il post.

Perché? Perché fa discutere, dentro e fuori il circuito del fotogiornalismo. Infastidisce nella semplice azione di mostrare i cliché e, riproducendo forse con ingenua malizia, le geometrie delle icone fotografiche, mostra la bulimica ripetitiva ossessione della fotografia di massa delle moderne guerre, tic e vezzi inclusi. Fa infuriare ma a torto. Perché, se a chi crea e utilizza immagini, questa operazione concettuale tanto semplice invita a riflettere su cosa fotografiamo, cosa guardiamo e cosa scegliamo di mostrare, vuol dire che è efficace.

Fa infuriare a ragione, invece. Poiché assegnare un premio in denaro per proseguire un progetto – che per sua stessa natura è già esaurito – dedicato alla memoria di un indimenticato amico e compagno di strada come Marco Pesaresi, che della fotografia di strada e della magia del reale ha fatto la sua cifra poetica, è profondamente sbagliato, nel contenuto e nel contesto. Altri spazi e altre competizioni possono dar voce ai molteplici linguaggi della fotografia contemporanea. Questione di stile.